История кино: что нужно знать?🎞️

Кино способно перенести зрителей в миры, которые недоступны им в реальной жизни. Любой желающий может бороздить просторы космоса вместе с Мэттью Макконахи (фильм “Интерстеллар”, 2014) или побывать в Гренландии вместе с Уолтером Митти (“Невероятная жизнь Уолтера Митти”, 2013).

Мир кино притягателен тем, что любой зритель сможет найти картину себе по душе. Если вы на дух не переносите голливудские блокбастеры, то вам может понравиться манера повествования Йоргоса Лантимоса. А если вас впечатляют головоломки и головокружительные сюжеты, то непременно ознакомьтесь с фильмами Кристофера Нолана.

Во все времена фильмы отражали дух той эпохи, в которую они были сняты. Ни один учебник истории не может так красочно отобразить войну 1812 года, как это сделал режиссер Сергей Бондарчук, чей фильм “Война и мир” по бессмертному романа Льва Толстого, покорил зрителей.

Кинематограф развивался стихийно и на протяжении всего существования ему пророчили скорый конец. Но мир кино развивается и эволюционирует. Трудно представить кинематограф без гениальных фильмов Альфреда Хичкока или дерзкого Квентина Тарантино. Сегодня мы попробуем разобраться в этапах развития кинематографа и подумаем, что ждет нас в фильмах будущего.

Начало развития

Кинематограф зародился в XIX веке. Ему предшествовало появление фотографии, но еще долгое время после этого открытия люди ломали голову над тем, как запечатлеть движущиеся изображения на камеру. Даже после появления специальных видов фотоэмульсий кино не спешило зарождаться.

Прежде чем сделать грандиозное открытие, умельцы тех лет потратили много времени на попытку воспроизвести движущиеся изображения и все напрасно. Кстати, в одном из таких экспериментов даже участвовал знаменитый Томас Эдисон, но его идея оказалась провальной и неудобной в использовании. Снимать с помощью кинетоскопа можно было только в специальных для этого помещениях. Просмотр фильмов тоже был непростой — увидеть запись можно было только в одиночку, используя специальный ящик и окуляр.

Самых больших успехов в этом деле смогли добиться братья Люмьер со своим синематографом. В отличии от кинетоскопа Эдисона, синематограф позволял осуществлять съемку в разных местах, а смотреть получившуюся пленку можно было большими компаниями. Итак, зафиксируем важную дату — кинематограф родился 28 декабря 1895 года. Именно в этот день люди впервые посетили коммерческий кинопоказ.

Сеансы длились недолго — это был показ коротких 50-секундных роликов. Первый ролик, который увидела публика, назывался “Выход рабочих с фабрики”, но миру он знаком по названию “Прибытие поезда”. В небольшом ролике поезд как бы двигался на зал. Зрители испытали почти те же ощущения, что мы при просмотре 3D фильмов сегодня. Происходящее на экране удивляло своей реалистичностью и даже немного пугало.

Что стоит посмотреть: “Прибытие поезда на вокзал Ла-Сиоты”, “Фантасмагория”.

Восход кинематографа

После оглушительного успеха изобретения братьев Люмьер, кинематограф вышел на новый уровень. Никто даже не представлял, какие возможности несет в себе мир кино. Люмьеры видели в изобретении кинематографа одну главную задачу — запечатление исторических моментов для последующей передачи потомкам. Но обычные зрители воспринимали кино как способ развлечься и ничего кроме забавно движущихся картинок не видели.

Несмотря на то, что сюжет в коротких роликах отсутствовал, популярность кинематографа начала стремительно расти. Кино интересовались не только простые люди, но и видные деятели искусства, политики и даже главы стран. Популярность кинематографа достигла пика, когда директор парижского театра Жорж Мельес начал снимать для кино различные спецэффекты и трюки.

К началу XX века большинство фильмов снимали во Франции. Вскоре к французам присоединились американцы, англичане и немцы. В первую половину XX века средняя продолжительность фильма была невелика (около 20 минут), но уже к 1910-1915 годам фильмы снимали продолжительностью около часа.

Вскоре начинают появляться звезды кинематографа, известные всему миру. За каждым актером закрепляется определенный образ, от которого они не могли, а может и не хотели, избавляться. Актеры без определенного амплуа в те времена были настоящей находкой.

Именно в начале XX века в США сформировался Голливуд, где строили большинство киностудий. Началом истории американского кино можно смело назвать зарождение Голливуда. Жаркий калифорнийский район Лос-Анджелеса привлекал своим климатом — солнечные дни благоприятно способствовали процессу съемок, а разнообразие локаций позволяло снимать множество сцен. Первые студии, открывшиеся в Голливуде, и по сей день известны всему миру — Universal и Paramount. После Первой мировой войны, когда многие киностудии пришли в упадок, студии Голливуда наоборот еще сильнее укрепили свои позиции.

Самыми успешными проектами голливудских студий принято считать комедии. Все мы знаем великого комедийного актера Чарли Чаплина. Именно с ним принято ассоциировать зарождение кинематографа. Но не стоит забывать и про европейское кино, которое принесло в мир немало открытий и приемов. Например, в Германии зародилось направление экспрессионизм, а во Франции — авангард.

Дореволюционный российский кинематограф во многом копировал своих западных коллег. История российского кино не так богата, как у коллег с запада, но России тоже есть чем гордиться. В 1920-е гг отечественные режиссеры решают пойти по собственному пути и начинают экспериментировать с жанрами и активно использовать различные средства выразительности. Задумки и идеи Сергея Эйзенштейна до сих пор активно используют современные режиссеры.

Что стоит посмотреть: “Кабинет доктора Калигари”, “Знак Зорро”, “Голем”.

Появление звукового кино

Немым кино оставалось до конца 1920-х гг. Хотя в 1920 г. уже была изобретена система, позволяющая записывать и воспроизводить звук, многие режиссеры опасались использовать ее в своих работах, т. к. такое оборудование значительно повышало расходы на создание фильма. На использование звука в кино решилась компания Warner Brothers, которая в 1927 году явила миру первый фильм со звуком “Певец Джаза”.

Несмотря на возможности, которые открывало звуковое кино, многие режиссеры и актеры выступали против внедрения подобной технологии повсеместно. К слову, Чарли Чаплин был ярым противником звука в фильмах. По его мнению звук мешал актерам выражать свои эмоции с помощью художественных выразительных средств.

Несмотря на опасения многих деятелей индустрии, звуковое кино не ухудшило качество фильмов, а скорее наоборот. В фильмах особую ценность приобретают диалоги героев, их размышления, которые несли большую смысловую нагрузку.

Что стоит посмотреть: “Путевка в жизнь”, “Певец джаза”, “Огни Нью-Йорка”.

Появление цветного кино

Для внедрения цвета в фильмы потребовалось намного больше времени, чем на производство звука. В 1930-х гг создали технологию, позволяющую снимать цветное кино. Одним из первых коммерчески успешных цветных фильмов стал “Унесенные ветром”. Но цвет окончательно вошел в кинематограф лишь в 60-70 гг, когда существенно улучшилось качество изображения.

Послевоенный кризис заметно усложнил процесс производства новых фильмов. В истории российского кино этот период был тяжелым. В СССР активные съемки начались только после “оттепели”. Именно в эти времена отечественные режиссеры начинают снимать интересное кино, приглашать молодых и перспективных актеров.

Если в Западной Европе и СССР упор делали на психологическую выразительность фильмов, то в Америке пошли по другому пути - усиливали зрелищность картин. Американское кино состояло из историй о смелых и бравых ребятах, готовых спасти человечество любой ценой.

Сюжеты фильмов становятся все более изощренными и оригинальными. Например, ярким представителем кинематографа конца 60-х гг стал Стэнли Кубрик со своим фильмом “2001: Космическая одиссея”. В фильме был продемонстрирован полет через пространство и время, который до сих пор считается культовым и прорывным для своего времени. А Пьер Годар в своем фильме “Безумный” и вовсе снял отдельные кадры в одном цвете — красном, желтом и синем. Это так называемая демонстрация зрителям возможностей цвета и возвращение к фильмам начала века.

Что стоит посмотреть: “Унесённые ветром”, “Бекки Шарп”.

Технологические прорывы

Один из значимых технологических прорывов — изменение формата кадра. В кинематографе того времени уже устоялось соотношение, появившееся во времена Эдисона и Люмьера — 1,33:1. Высокая конкурентность с телевидением тех лет заставила пересмотреть взгляды на соотношение сторон кадра и перейти к широкоформатному изображению: 7:3 — 2,35:1. Вскоре был разработан новый формат 5:3, популярный в европейских фильмах и пришедший в Россию в конце 1960-х гг.

Новый формат кадра использовал все ресурсы кинематографа, а само разнообразие форматов позволяли режиссерам выбирать наиболее подходящий для них кадр.

Появление цифровых камер значительно удешевляло процесс съемок, а также сокращало время на подготовку. Мобильность таких камер, их эргономичность и дешевизна сделали ознаменовали конец эпохи пленочных камер. Несмотря на все преимуществ цифры, многие современные режиссеры до сих пор используют пленку, которая в отличии от цифровых камер делает фильмы более кинематографичными и качественными.

Фильмы, снятые на пленку, получаются более живыми и естественными. То самое “киношное” зерно, к которому привыкли зрители, придает фильму особый шарм и притягательность. Сейчас даже если фильм снимают на цифровую камеру, на моменте монтажа его пытаются состарить и придать эффект всем знакомой пленки.

Что стоит посмотреть: “Психо”, “Пиковая дама”, “Хороший, плохой, злой”.

Затишье

Период с конца 60-х и до середины 90-х в кинематографе принято называть стагнацией. В отличии от начала века, когда кино развивалось бурно и стихийно, в мире кино наступило затишье. Но с другой стороны именно в этот период времени кинематограф начал развиваться в несколько другом направлении, переосмысливая технические новшества.

В 70-е и 80-е кинематограф развивался медленнее всего. Уже не появлялись технические средства, а компьютерные спецэффекты изобретут только спустя некоторое время.

Среди режиссеров нового поколения было много заметных фигур. Например, Эмир Кустурица, создавший свой неповторимый стиль, основанный на ярких и эмоциональных акцентах. Или неповторимая утонченность и ироничные визуальные метафоры фильмов Феллини 70-х гг. Не стоит также забывать о талантливом Тиме Бертоне, который выделялся на фоне коллег своей оригинальностью и способностью мастерски изображать фантазийные миры с неповторимым стилем.

Что стоит посмотреть: “Битлджус”, “Рим”, “Амаркорд”.

Постмодернизм в кинематографе

В 80-е гг в кинематографе началось активное развитие направления постмодернизма. Это идея о том, что все логические доводы равноправны. Постмодернизм отрицал возможность существования истины, как чего-то неопровержимого.

Представителями этого направления в кинематографе стали молодые режиссеры, а самым заметным и ярким из них стал Дэвид Линч. Режиссер не боялся работать с динамичными и даже несколько банальными сюжетами с примесью мифологии. Все свои картины Линч воплощает с помощью одних стилистических приемов или комбинируя разные стили. Прочтите, какими мифами окутан его сериал "Твин Пикс".

Наиболее ярким и значительным фильмом того времени стала картина Квентина Тарантино “Криминальное чтиво”. Режиссер с лихвой сдобрил фильм различными цитатами из других картин и отсылками к поп-культуре. Тарантино не побоялся подорвать все жанровые структуры и не прогадал. Насилие в кадре воспринимается как важная часть сюжета. Именно Тарантино во многом заложил основу для криминальных фильмов.

Но Тарантино произвел резонанс не своим подходом к насилию, а отношением к повествовательной канве. Фильм представляет собой склейку нескольких сюжетов, которые зритель видит в хаотичном порядке. Некоторые моменты и вовсе не связаны с главным сюжетом и вполне могли бы быть вычеркнуты из фильма. Но именно благодаря наличию таких небольших зарисовок, фильм становится самобытным и оригинальным, особенно среди других картин этого жанра.

Что стоит посмотреть: “Человек-слон”, “Криминальное чтиво”, “Вне закона”.

Наше время

В начале 1990-х гг начинают появляться фильмы, операторские приемы которых заимствованы из музыкальных клипов того времени. К концу 90-х популярными становятся фильмы, выполненные в клиповой стилистике. Ярким примером служат фильмы Гая Ричи “Карты, деньги, два ствола” и “Большой куш”.

Свобода 90-х сильно повлияла на фильмы тех лет. В съемках активно стали использовать движение камеры. Режиссёры не боялись экспериментировать и с кадром, применяя для многих сцен широкоугольный объектив. Особое внимание стали уделять цветовой коррекции кадра и монтажу.

Возможности длинного кадра позволили режиссерам увеличить динамичность своих картин. Если пленочная камера позволяла снимать кадры длительностью не более 10 минут, то современная цифровая камера не имела ограничений на длину плана. Это и способствовало появлению фильмов, снятых одним кадром. Примером служит фильм “Таймкод” режиссера Майка Фиггиса, состоявший из 4 непрерывных кадров, действие которых происходит одновременно.

В фильмах стали активно использовать современные компьютерные технологии, а обработка изображения позволяла добиться максимальной насыщенности кадра. Мир увидел много молодых и талантливых режиссеров, не боящихся экспериментов. Компьютерную графику начали использовать даже там, где это необязательно. Самым передовым и прорывным фильмом, который продемонстрировал возможности компьютерной графики, стал фильм “Матрица”. Именно впечатляющие спецэффекты обеспечили фильму такой успех.

На сегодняшний день спецэффекты придают фильму зрелищность и реалистичность. Но многие режиссеры не признают бездумное использование подобных технологий. Среди них яркой фигурой является Кристофер Нолан, готовый потратить невероятные деньги, но снять нужную ему сцену без использования компьютерных технологий. Так, сцена с движущейся комнатой в фильме “Начало” была снята без спецэффектов. А на съемки сцены, где грузовик падает с моста, ушло несколько месяцев. Каждые 5 секунд съемок отнимали сутки работы. Нолан хотел обойтись без спецэффектов и все сцены были сняты на специальную высокоскоростную камеру.

Современный кинематограф, который мы знаем сегодня, многогранен и интересен. Многие режиссеры стремятся воссоздать эстетику прошлого (“Артист”, 2011), а некоторые представители киноиндустрии создают свой собственный неповторимый стиль (Уэс Андерсон, Вуди Аллен, Гай Ричи, Квентин Тарантино). Нам остается лишь наблюдать за дальнейшим развитием кинематографа и наслаждаться магией кино!

Что стоит посмотреть: “Артист”, “Начало”, “Миллионер из трущоб”, “Отель Гранд Будапешт”.