Леонардо да Винчи: лучшие картины🖼️

Живописец, скульптор, архитектор, дизайнер, теоретик, инженер и ученый Леонардо да Винчи создал одни из самых известных образов в европейском искусстве. Хотя многие из его работ так и не были закончены, а сохранилось еще меньше. Он оказал влияние на поколения художников, и его продолжают уважать как универсального гения.

В этой статье мы расскажем о лучших картинах Леонардо да Винчи, которые повлияли на целые поколения.

Мона Лиза (ок. 1503-1519)

Мона Лиза, также известная как Джоконда, считается портретом Лизы Герардини, жены флорентийского купца по имени Франческо дель Джоконда. Новаторское поясное изображение показывает женщину, сидящую на стуле.

Использование сфумато (техника для смягчения перехода между цветами) создает ощущение мягкого спокойствия, исходящее от ее существа, и придает фоновому пейзажу глубокую реалистичность. Да Винчи создает в этом произведении глубину, которая заставляет взгляд перемещаться по картине. Но загадочная улыбка натурщицы, которая притягивает зрителя, одновременно восхищает и пугает.

Эта работа является одной из самых знаковых по многим причинам. Предыдущие портреты того времени были сосредоточены на представлении внешнего вида натурщика. Личность субъекта отображалась только через символические предметы, одежду или жесты. Однако в этой картине Леонардо хотел запечатлеть нечто большее, чем просто сходство. Он хотел показать душу натурщицы, чего он достиг, сделав большой акцент на ее необычной улыбке.

Она не просто улыбается художнику; на ее лице отображен целый спектр эмоций. Зрителю остается гадать, о чем она думала, что могла означать улыбка и кем она была. Пейзаж также важен для передачи этого чувства душевности. Было много предположений относительно происхождения его местоположения, но считается, что пейзаж вокруг — плод воображения Леонардо.

Эта картина также вдохновила многих художников. Бесчисленные писатели писали о картине. Например, французский поэт Теофиль Готье в XIX веке, назвал ее «сфинксом, который загадочно улыбается».

В 1954 году Сальвадор Дали создал свой автопортрет в образе Моны Лизы. Ее изображение также бесконечно воспроизводилось на множестве принтов, постеров и коммерческих продуктов на рынке современной популярной культуры.

Тайная вечеря (ок. 1495–1498)

Герцог Миланский Людовико Сфорца заказал «Тайную вечерю» для трапезной монастыря Санта-Мария-делла-Грацие. Картина отражает знаменитую историю о последней трапезе, которую Иисус разделил со своими учениками перед распятием, а точнее, момент после того, как он сказал им, что один из них предаст его. Каждый из апостолов индивидуально передается в различных выражениях ужаса, неверия и удивления, когда Иуда стоит в тени, сжимая кошелек с тридцатью серебряными монетами, полученными им за свое предательство. Иисус сидит в центре, тянется за хлебом и бокалом вина, ссылаясь на Евхаристию. Позади него через окна открывается идеализированный пейзаж, возможно, намекающий на рай, а три окна могут обозначать Святую Троицу.

Никогда раньше такой реализм не использовался для изображения классической драмы этого поворотного момента накануне пути Христа к распятию.

К сожалению, сочетание масла со штукатуркой оказалось катастрофическим, так как перед смертью художника краска уже начала отслаиваться от картины. Шедевр постоянно реставрировался на протяжении веков, последняя попытка длилась 21 год и завершилась в 1999 году. От оригинальной краски уже почти ничего не осталось.

Витрувианский человек (ок. 1490)

Витрувианский человек изображает человека в двух наложенных друг на друга позах. В одном положении ноги мужчины вместе с вытянутыми руками, демонстрируют квадрат. Во второй позиции ноги мужчины расставлены, а руки вытянуты, чтобы продемонстрировать круг.

В сопроводительном тексте к рисунку Леонардо описывает свое намерение изучить пропорции человека, описанные римским архитектором I века до н.э. Витрувием (в честь которого был назван рисунок) в его трактате De Architectura (Об архитектуре, опубликованном как Десять книг по Архитектура).

Витрувий использовал свои собственные исследования пропорционального человека, чтобы повлиять на дизайн храмов, полагая, что симметрия имеет решающее значение для их архитектуры. Леонардо использовал Витрувия в качестве отправной точки для вдохновения в своих собственных анатомических исследованиях и усовершенствовал свои картины, исправив более половины первоначальных расчетов Витрувия. Идея относительной пропорции повлияла на архитектуру западного Возрождения и за ее пределами как концепция создания гармонии между земным и божественным в церквях.

В конечном счете, Витрувианский человек представляет собой математическое исследование человеческого тела, подчеркивающее природу баланса, который дает нам пропорция и симметрия. Понимание этой концепции будет определять все работы Леонардо в искусстве, архитектуре и не только.

Изображение также является отсылкой к гуманизму эпохи Возрождения, который поместил человека в связь с природой и в качестве связующего звена между земным (квадрат) и божественным (круг). Он сочетает в себе понимание науки великим мыслителем с его мастерством рисования.

Изображение поистине легендарное и упоминается в многочисленных работах других художников, от «Радостного дня» Уильяма Блейка или «Танца Альбиона» (около 1794 г.) до сегодняшней сцены современного искусства, например, в «Витрувианской женщине» Ната Крата.

Автопортрет (ок. 1490 / 1515–16)

Эту картину иногда называют «Портрет мужчины в красном мелу», но в большинстве своем она считается автопортретом. Однако некоторые историки утверждают, что человек на рисунке мелом слишком стар, чтобы быть самим да Винчи, так как он умер в возрасте 67 лет. Эти ученые предполагают, что этот рисунок является одним из его «гротескных» произведений или изображения людей с преувеличенными чертами лица.

Кого бы он ни представлял, этот рисунок является прекрасным примером способности да Винчи привносить реалистичные характеристики в своих персонажей.

Мадонна в скалах (ок. 1483–1486)

На этой картине изображена Мадонна с младенцами Христом и Иоанном Крестителем, а также архангелом Гавриил. Квартет находится среди мистического вымышленного пейзажа.

В сочетании с интимной группой на переднем плане полностью вымышленная среда из пустынных скал и воды придает картине сказочную атмосферу, одновременно вселяя в зрителя ощущение слияния с небесным.

Святой Иоанн был покровителем Флоренции, и его изображение в этом произведении было важным. Согласно флорентийской традиции, он был товарищем по играм Христа и также знал о будущей жертве Христа за человечество. Как и другие произведения того времени, картина использует пирамидальную композицию, обычную для художников Высокого Возрождения.

Жесты героев картины и их взгляды создают динамическое единство, которое было новаторским для того времени. Кроме того, стиль сфумато проявляется в том, как цвета и очертания сливаются в мягкую дымку, что также усиливает ощущение естественности и придает пространству трехмерность. Картина представляет собой ранний пример использования масляного пигмента, который был относительно новым для Италии и позволил художнику запечатлеть сложные детали, что также привело к ощущению реальности происходящего на картине.

Голова женщины (1500–10)

«Голова женщины», маленький рисунок кисти с пигментом, изображает молодую женщину с наклоненной головой и опущенными глазами. Ее поза напоминает Деву Марию из «Девы в скалах» Леонардо.

Название рисунка La scapigliata переводится как «взъерошенный» и относится к непослушным прядям волос молодой женщины. Слабые наброски завитков и плеч контрастируют с тщательно проработанным лицом, на котором Леонардо мягко моделировал тонкие черты лица женщины, от тяжелых век до нежных губ.

Джиневра де Бенчи (ок. 1474/78)

Размещенный в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, портрет Джиневра де Бенчи — единственная картина Леонардо, публично выставленная на обозрение в Западном полушарии. Это одна из самых ранних работ Леонардо, законченная, когда ему было чуть больше 20 лет, и демонстрирующая некоторые нетрадиционные методы, которые он использовал на протяжении всей своей карьеры. Вдохновленный своими северными современниками, Леонардо нарушил традицию, изобразив торжественную молодую женщину в позе три четверти, а не в обычном профиле. Он был первым итальянским художником, написавшим такую ​​композицию.

Художник продолжал использовать подобные позы во всех своих портретах, включая Мона Лизу. Вскоре такой вид быстро стал стандартом для портретной живописи, настолько повсеместным, что сегодня зрители принимают это как должное.

Леонардо, возможно, также использовал свои пальцы, когда краска была еще липкой, чтобы моделировать лицо Джиневры, о чем свидетельствуют отпечатки пальцев, обнаруженные на поверхности краски.

На оборотной стороне картины венок из лавра и пальмы окружает веточку можжевельника, а свиток с латинской фразой «Красота украшает добродетель» обвивает каждую растительность. Усеченный вид обратной стороны предполагает, что картина могла быть порезана внизу, возможно, из-за повреждения водой или огнем.

Богородица с младенцем и святой Анной (ок. 1503–15019)

Некоторые ученые считают, что Мадонна с младенцем и святой Анной была последней картиной Леонардо. Анна, находящаяся на вершине пирамидальной композиции, наблюдает за Марией, сидящей у нее на коленях, когда Дева нежно удерживает Младенца Христа от того, чтобы он сел на ягненка.

Взаимодействие между фигурами кажется интимным и раскрывает способность Леонардо представлять убедительные человеческие отношения.

Картина также демонстрирует давний интерес Леонардо к правдоподобному изображению трехмерного пространства на двухмерной поверхности. Как и на многих картинах Леонардо, фигуры сидят среди фантастического пейзажа. Используя воздушную перспективу — технику, о которой он писал в своем «Трактате о живописи», Леонардо создал иллюзию расстояния, нарисовав скалистые образования на заднем плане так, чтобы они казались серо-голубыми и менее детализированными, чем пейзаж переднего плана. Он использовал эту технику во многих пейзажах своих ранних работ, включая Мона Лизу и Деву в скалах.

Святой Иоанн Креститель (1513-1516)

Датированная между 1513 и 1516 годами, эта картина, хранящаяся в Отделе живописи Лувра, предположительно была приобретена Людовиком XIV в 1662 году.

На ней изображен святой Иоанн Креститель в полумраке, одетый в шкуру животного, с распятием. Как и в случае с Моной Лизой и многими другими своими картинами, да Винчи использовал технику сфумато, чтобы нанести очень тонкий слой краски, придавая холсту яркий эффект.

Святой Иоанн Креститель, являющийся предметом многих интерпретаций, олицетворяет как творение, так и духовность святого и призыв к вере. В 2016 году картина претерпела капитальную реставрацию.

Новаторский отход да Винчи от художественных стандартов того времени послужил ориентиром для последующих поколений художников. В «Тайной вечере» то, как он изолировал Христа в эпицентре сцены и сделал каждого апостола отдельной сущностью, но в то же время объединил их всех в данный момент, — это гениальный ход, который последующие художники на протяжении всей истории стремились воспроизвести.

На протяжении всей своей жизни Леонардо да Винчи избегал интриг мирских амбиций и тщеславия. Он был замкнутым человеком, не озабоченным славой, но абсолютно уверенным в ценности своих способностей. Вместе с небольшой группой современных деятелей эпохи Возрождения Леонардо да Винчи становится центром движения художников, которое навсегда обогатило западную культуру. Если вы интересуетесь искусством, рекомендуем вам прочитать статью о Пабло Пикассо на нашем портале.